Dopo tre anni di lavori di restauro e manutenzione, ha riaperto uno tra i pochi musei di moda in Italia, il Museo della Moda e del Costume di Palazzo Pitti a Firenze, già noto come Galleria del Costume, aggiungendo nuovi abiti alla collezione permanente e nuove sale, e inaugurando 12 nuove sale con una selezione di oltre 50 abiti e costumi delle dive di ieri e di oggi.
L’Italia si contende da sempre il primato di Paese della moda con la Francia forse con meno consapevolezza della tradizione sartoriale e della creatività che nel Belpaese, come mostra il percorso museale, si intreccia con l’arte, quella degli stilisti raccontata nella pittura presente nelle diverse sale.
Nella Palazzina della Meridiana, addossata all’ala meridionale del Palazzo, a quarant’anni di distanza dalla fondazione del Museo all’interno del complesso delle Gallerie degli Uffizi, la collezione permanente si è allargata e alcuni capi sono stati restaurati e il viaggio dello spettatore è sul doppio binario dell’abito e del quadro al quale viene associato. Fondato nel 1983, costituisce il primo museo statale italiano dedicato alla storia della moda e alla sua valenza sociale che gode di grandi donazioni. Nel complesso, la collezione di opere ospitate, esposte a turno secondo una rotazione adottata per ragioni di conservazione, comprende abiti e accessori di moda dal XVIII secolo a oggi, oltre a biancheria intima, gioielli e bigiotteria, e un affascinante corpus di abiti di scena di celebri film, opere di teatro e di lirica, a firma di grandi registi del Novecento, indossati da star del cinema e dello spettacolo, italiane e internazionali. Fra i costumi antichi si annoverano gli abiti funebri cinquecenteschi di Cosimo I de’ Medici, Eleonora di Toledo e del figlio don Garzia, esposti in permanenza dopo un complesso restauro.
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Il focus rimane il Novecento, spaziando dal mantello-kimono di Mariano Fortuny per Eleonora Duse alla tunica flipper anni Venti di Coco Chanel, dagli abiti surreali di Elsa Schiaparelli a quello datato anni Ottanta e firmato Gianni Versace per Patty Pravo. Poi ci sono gli abiti del sarto delle dive anni Cinquanta Emilio Schuberth, i vestiti barocchi di Gianfranco Ferré per Dior e la guaina nera di Jean Paul Gautier indossata da Madonna. E ancora le creazioni di Miuccia Prada, John Galliano e Giorgio Armani. Altre dieci sale raccontano i costumi della nobiltà e dell’aristocrazia dal Cinquecento all’Ottocento, insieme a una sala dedicata ai gioielli del tesoro dell’ultimo Granduca di Toscana, Ferdinando III di Asburgo Lorena.
Il percorso di visita
All’ingresso un grazioso cappellino in paglia con fiori da bambina, primi Novecento, dà il benvenuto insieme ad alcune creazioni di Gianfranco Ferré dove le rose di stoffa diventano una firma.
Il viaggio inizia da alcuni abiti Settecento di manifattura italiana e francese dove abbiamo notato in particolare una manifattura piemontese del secondo quarto del XVIII secolo, una lunga veste con ampia panneggiatura sul dorso che assume la forma di un mantello; mentre le maniche sono aderenti fino al gomito quindi poi con motivi a volant. Anteriormente il bustino si mantiene aderente al corpo e si apre sulla pièce d’estomac, sorta di pannello triangolare decorato. La gonna. Color artemisia, è ricamato con motivi a rocaille e mazzetti di fiori broccati, filo d’oro e laminette d’argento. Sebbene ci siano gli elementi tipici dell’habit francese dell’epoca ci sono alcune differenze come la forma dei paniers decisamente separati sui fianchi, che caratterizza gli abiti piemontesi anche di corte e che sono di influenza nordica.
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Tra gli accessori che comprendono il quadro nel quale l’abito era indossato, spicca un ventaglio, proveniente dall’Inventario Bargello n.17, con 24 stecche in avorio traforato e perno in metallo, con una pagina in carta dipinta da entrambe le parti con il Sacrificio di Ifigenia sul recto e una scena giapponese sul verso.
Nell’Ottocento, su suggerimento del secolo dei Lumi le cui idee giungono a maturazione, gli abiti femminili si ammorbidiscono, le strutture rigide vengono evitate perché il progresso scientifico parla di una cattiva influenza dei corsetti sulla circolazione, come nell’abito femminile del 1807 circa realizzato in crêpe di seta avorio, ornato con ricami in laminetta d’argento a motivi di foglie e losanghe. Con una scollatura ovale, in linea con lo stile inizio secolo, presenta maniche a palloncino, vita alta sotto il seno arricciata posteriormente e termina, all’altezza dei piedi, con un orlo sagomato.
È del 1862 uno degli abiti da sposa esposti, manifattura inglese, prezioso abito da cerimonia in tre pezzi con corpetto, giacca e gonna in raso di seta color avorio, realizzato nel 1860 che ricorda nello stile la foggia di abiti rinascimentali, in linea con il gusto del revival ottocentesco Da notare il fine ricamo, con applicazione di spighette in filo metallico dorato, composte in un complesso intreccio a nodi, sempre di ispirazione rinascimentale. Nella stessa stanza una raffinata signora ritratta da Giovanni Boldini le cui figure affusolate e piumate raccontano il romanticismo aristocratico dell’epoca.
Nei primi del Novecento gli accessori assumono mille sfaccettature e per certi versi rintracciamo le ispirazioni che ancor oggi si ritrovano nella moda con gli Anni Venti che hanno caratterizzato in modo particolare il secolo breve con abiti che si accorciano, si snelliscono, cadono morbidi e seguono i movimenti del corpo.
È del 1912 la borsa da sera, manifattura francese, con il marchio interno “Alpacca” e l’iscrizione interna “Patente/dec. 10/1912” in alpacca a maglia a sacchetto con nappa e chiusura sagomata incisa a motivi floreali; la piccola borsa da polso rigida del 1910 rigida in alpacca con pareti in filigrana guarnite da decoro floreale e piccola frangia, una lavorazione che rimanda al gusto orientale; e la borsa da sera sempre inizio XX secolo, manifattura inglese.
Guardando le pareti colpisce il Ritratto di Franca Viviani della Robbia, un olio su tela del 1923 firmato da Vittorio Corcos, pittore livornese morto a Firenze, nel quale la giovane donna è acconciata secondo la moda dei primi Anni Venti, con un carré corto sotto le orecchie, che lascia scoperto il collo eburneo, con una generosa scollatura incorniciata da un ambito verde acqua ripreso dalle tonalità della seta operata in oro con il motivo araldico stilizzato della famiglia, sul fondo.
La fine degli Anni Venti, tra il 1929 e il 1930, si presenta con un abito da sera senza maniche, dalla linea aderente e un leggero strascico, interamente costituito da paillettes degradanti dal rosa chiaro al fucsia. L’abito appartenuto a Donna Franca Florio, nata a Palermo nel 1873 e sposatasi non ancora ventenne con Don Ignazio Florio, fa parte di un nucleo molto importante donato dalla figlia al Museo. Quando il vestito fu confezionato Donna Franca era già avanti negli anni ma continuava a frequentare i salotti di Roma dove si era trasferita nel 1925 con le figlie.
Gli anni tra le due guerre, gli Anni Trenta, vedono le flappers lasciare il posto a un modello di donna elegante e sobria in linea con un’idea di femminilità più rassicurante e convenzionale. Parigi resta il cuore della moda dove Madeleine Vionne, Gabrielle Chanel ed Elsa Schiapparelli rivoluzionano l’idea di donna attraverso il costume, creative geniali e imprenditrici di spessore. Negli stessi anni con l’avvento del cinema sonoro si diffonde un modello di diva più sensuale, meno idealizzata rispetto al cinema muto, una donna ‘sirena’ che mostra le proprie rotondità.
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Nel Dopoguerra la linea femminile si ispira allo stile di Christian Dior che reintroduce corsetti, vita stretta, fianchi imbottiti e gonna gonfie a ruota, capi che ricordano sia le silhouette degli Anni Trenta sia lo stile ottocentesco. In questo decennio nasce l’abito da cocktail, con la vita stretta e la gonna a ruota, con tessuti a stampa o velluti e broccati; mentre gli abiti da sera sono in tessuti preziosi come taffetas, tulle, strass e paillettes.
Il 22 luglio del 1952, grazie all’imprenditore Giovanni Battista Giorgini, ha luogo la prima sfilata nella sala Bianca di Palazzo Pitti, un evento che segna l’inizio dell’affermazione internazionale del Made in Italy. Protagonisti di questa stagione sono Emilio Schuberth, Roberto Capucci, Jole Veneziani, Germana Marucelli e la Maison Carosa, tutti nomi presenti alla prima sfilata di Giorgini.
In mostra del 1957 un abito da sera con cappa di Roberto Capucci, stilista romano classe 1930, corto in taffetas di seta lilla con corpino décolleté a forma di corolla, composto da una serie di gale smerlate leggermente arricciate. Lo stesso motivo decora la gonna a corolla rovesciata. Una fascia di velluto in vita riprende il tessuto della cappa. Christian Dior definisce Capucci “il miglior creatore della moda italiana, un prodigio”. Naturalmente non poteva mancare un simbolo dello stile italiano, Valentino, che con il suo tailleur in bianco e nero è accostato a un quadro di Alberto Burri.
Gli Anni Settanta hanno abiti ampi, morbidi, che scivolano sul corpo e si colorano e poi arrivano, dopo la contestazione anche dell’Alta moda, gli Anni Ottanta, quelli delle top model e della convivenza di diverse tendenze, da uno stile concettuale decostruttivista a uno stile scultoreo ispirato a forme classiche sino alle tendenze pop influenzate dallo streetwear. Sono gli anni in cui si moltiplicano le “mode giovanili” come espressione di una cultura di massa consumistica. Per l’industria del Made in Italy è un momento fondamentale con Milano quale centro propulsore e la moda italiana diventa la locomotiva internazionale con Giorgio Armani, Krizia, Ottavio e Rosita Missoni, Gianfranco Ferré, Gianni Versace, Moschino e Dolce e Gabbana. In mostra alcuni abiti mito che rispecchiano gli anni dell’Edonismo.
Arrivano poi gli Anni Novanta, con il loro clima postmoderno, nei quali continuano a coesistere tendenze diverse, forme pure, minimaliste e toni neutri ma anche soluzioni stravaganti, audaci che giocano sul mélange tra stili diversi, voglia di sperimentare anche in termini di nuovi materiali sintetici e convivono abiti corti e lunghi, profili smilzi e forme ampie. Con la nomina nel 1989 di Gianfranco Ferrè alla direzione artistica della Maison Christian Dior per riportarla agli antichi fasti, l’Italia dà prova del suo genio. E il cerchio si chiude con abiti da sera dello stilista con le sue celebri rose.
a cura di Ilaria Guidantoni