Dal 7 settembre al 9 dicembre 2018, avrà luogo la 33 ° Biennale di San Paolo del Brasile dal titolo “le affinità affettive” che tenderà a privilegiare lo spettatore individuale come unico giudice nella valutazione delle opere a scapito di un tema teso a favorire una comprensione prestabilito. Il titolo scelto dal curatore Gabriel Pérez-Barreiro, nominato da Fundação Bienal de São Paulo per la progettazione dello spettacolo, si riferisce al romanzo di Johann Wolfgang von Goethe Le affinità elettive (1809) e alla tesi “la natura affettiva di forma in un opera d’arte” (1949), di Mario Pedrosa. Il titolo non intende dare una direzione tematica alla mostra, ma individua il modo di organizzare la mostra basandosi su collegamenti, affinità artistiche e culturali tra gli artisti coinvolti. Come nel testo di Pedrosa, c’è una proposta per indagare i modi in cui l’arte crea un ambiente di relazione e comunicazione, passando dall’artista all’oggetto e all’osservatore. Presenza, attenzione e influenza del mezzo sono le premesse che guidano la cura di questa edizione, in una reazione a un mondo di verità pronte, in cui la frammentazione dell’informazione e la difficoltà di concentrazione portano all’alienazione e alla passività. Il curatore crede nell’aspetto positivo di un cambiamento radicale nel sistema operativo della Biennale. Per questa edizione, insieme ai dodici singoli progetti scelti da Pérez-Barreiro, i sette artisti curatori da lui scelti hanno già definito le loro proposte espositive, con totale libertà nella scelta degli artisti e nella selezione delle opere.
Proposte curatoriali concepite da artisti-curatori
Dal suo interesse per temi come la ripetizione, la narrazione e la traduzione, Alejandro Cesarco (Montevideo, Uruguay, 1975) cura opere di artisti che condividono le loro preoccupazioni concettuali ed estetiche. Intitolato ai nostri genitori, “lo spettacolo propone domande su come il passato (la storia), allo stesso tempo, rende possibili e frustranti potenzialità e come possa essere riscritto dal lavoro dell’artista, che genera differenze dalle ripetizioni”, spiega. Oltre a Cesarco, partecipano allo spettacolo artisti di tre diverse generazioni, tra cui Sturtevant (Stati Uniti, 1924 – Francia, 2014), Louise Lawler (Stati Uniti, 1947) e Cameron Rowland (Stati Uniti, 1988). Per dedicare questa esposizione a una relazione primaria (biologica o adottiva, letterale o metaforica) è quella di costruire una genealogia e un tentativo di approssimare la fonte centrale delle nostre interpretazioni, metodi, inibizioni, possibilità e aspettative “.
Antonio Ballester Moreno (Madrid, Spagna, 1977) si pone lo scopo di contestualizzare un universo basato sul rapporto intimo tra biologia e cultura, con riferimenti alla storia di astrazione e la sua interazione con la natura, la pedagogia e la spiritualità. Pertanto, egli si riferisce alla produzione di filosofi, scienziati e artisti, “siamo tutti creatori del nostro mondo, ma capisco che come una varietà di lingue separato da l’idea che gli Stati Uniti sono comuni, allora questa proposta sottolinea lo studio delle nostre origini, se si riferiscono a aspetti naturali, sociali o soggettivi – i tre assi che organizzano la mostra”, dice. Senso dichiarato / Comune, lo spettacolo spazia dai giocattoli educativi delle avanguardie storiche e delle opere della Scuola di Vallecas alla presenza di artisti contemporanei. Tra i partecipanti ci sono il filosofo e pedagogo Friedrich Fröbel (Germania, 1782-1852); Andrea Büttner (Germania, 1972); Mark Dion (USA, 1961); e Rafael Sánchez-Mateos Paniagua (Spagna, 1979), che ha anche contribuito alla pubblicazione educativa Invitation to Attention.
Per la sua esposizione intitolata The Slow Bird, Claudia Fontes (Buenos Aires, Argentina, 1964) parte di un metanarrativo: un libro eponimo fittizio il cui contenuto è sconosciuto, fatta eccezione per alcuni frammenti e le loro vestigia materiali. Fontes e gli artisti invitati presentano opere che attivano l’approssimazione tra arti visive, letteratura e traduzione attraverso esperienze che propongono una temporalità espansa. “L’esperienza della velocità e della lentezza sono esperienze politiche radicate nel corpo. Entrambi influenzano la nostra comprensione dello spazio, della distanza e delle possibilità. “In un processo curatoriale orizzontale e collaborativo, tutti i partecipanti, ad eccezione di Roderick Hietbrink (Paesi Bassi, 1975), sviluppano opere commissionate per l’occasione: Ben Rivers (Regno Unito, 1972), Daniel Bozhkov (Bulgaria, 1959), Elba Bairon (Bolivia, 1947), Katrin Sigurdardóttir (Islanda / Stati Uniti, 1967), Pablo Martín Ruiz (Argentina, 1964).
Per la sua esposizione, Stargazer II [Mira-star II], Mamma Andersson (Luleå, Svezia, 1962) riunisce un gruppo di artisti che hanno ispirato e alimentato il suo lavoro di pittrice. La selezione include una vasta gamma di riferimenti, come le icone russe del 15 ° secolo, gli estranei Henry Darger (USA, 1892-1973) e Dick Bengtsson (Svezia, 1936-1989); e artisti contemporanei come il regista Gunvor Nelson (Svezia, 1931) e il pilota di caccia e artista del suono Åke Hodell (Svezia, 1919-2000), tra gli altri. In comune, tutti i partecipanti condividono l’interesse per la figurazione espressiva e il corpo umano. “Sono interessata agli artisti che lavorano con la malinconia e l’introspezione come uno stile di vita e un modo di sopravvivere”, afferma la Andersson. La mostra comprende anche una notevole quantità di dipinti della Andersson, stabilendo un vivace dialogo tra il suo lavoro e le sue ispirazioni artistiche.
La curatela di Sofia Borges (Ribeirão Preto, Brasile, 1984), La storia infinita delle cose o la fine della tragedia di uno, parte delle interpretazioni filosofiche sulla tragedia greca per approfondire un collage di riferimenti mitologici volti a indagare i limiti della rappresentazione e l’impossibilità del linguaggio come strumento di mediazione del reale. “Ho passato anni a cercare, attraverso l’immagine, per svelare lo stato di rappresentazione delle cose, fino a quando ho capito che si trattava di un problema senza soluzione, dal momento che in realtà è il problema del significato. Il linguaggio stesso è tragico, perché è ambiguo e non si può usare un soggetto per parlare di un altro “, spiega. Il suo progetto espositivo è costruito da un modello curatoriale misto in cui la selezione di pezzi specifici è accompagnata da opere commissionate. Una delle peculiarità della proposta – che include opere di Jennifer Tee (Olanda, 1973), Leda Catunda (Brasile, 1961), Sarah Lucas (Regno Unito,
Waltercio Caldas (Rio de Janeiro, Brasile, 1946), che ha sempre considerato la storia dell’arte come materiale di lavoro, progetti in curatela Le apparenze opere di diversi artisti confrontati con opere proprie. “Poiché la produzione di un artista si occupa di numerose domande che variano nel tempo, scelgo opere che si discostano da ciò che è più noto di ciascuna di esse e si distinguono per il loro valore e specificità. Il risultato del rapporto tra i pezzi scelti è diventato l’interesse principale di questa selezione “, spiega. Caldas propone una riflessione sulla natura poetica delle forme e delle idee e le loro implicazioni per l’attività artistica dalla fine del 19 ° secolo “guardato attraverso la tensione tra opere molto diverse, le sorprese illuminanti che risultano di questi scontri,” dice. Da una visione impegnativa dell’artista sul proprio lavoro e gli incontri spesso insoliti – come tra le opere di Victor Hugo (Franca, 1802-1885), Jorge Oteiza (Spagna).
Per il suo progetto espositivo intitolato Always, Never, composto esclusivamente da opere su commissione, Wura-Natasha Ogunji (St. Louis, USA, 1970) artisti invitati Lhola Amira (Sud Africa, 1984), Mame Diarra-Niang (Francia, 1982), Nicole Vlado (Stati Uniti d’America, 1980), Rubino onyinyechi Amanze (Nigeria, 1982) e Youmna Chlala (Libano, 1974) per creare, così come lei, nuovi lavori in un processo curatoriale collaborativo e orizzontale. La produzione di questi sei artisti “riconcilia aspetti intimi (come corpo, memoria e gesto) con l’epica (architettura, storia, nazione)”, spiega Ogunji. “Nel dialogo aperto e continuo, i nostri progetti individuali abbracciano pratiche e linguaggi distinti che convergono in idee e questioni cruciali per la sperimentazione, la libertà e il processo creativo.” Il lavoro di questi artisti è influenzato dalle loro storie individuali e dalle complesse relazioni che mantengono con le loro terre, nazioni e territori.
I singoli progetti selezionati da Gabriel Pérez-Barreiro
Tra i dodici progetti individuali scelti dal curatore, tre di loro sono artisti onorati: Anibal Lopez (Città del Guatemala, Guatemala 1964 – 2014), Feliciano Centurión (San Ignacio, Paraguay, 1962 – Buenos Aires, Argentina, 1996) e Lucia Nogueira (Goiânia, Brasile, 1950 -Londra, Regno Unito, 1998). “Volevo artisti che fossero storici, ma allo stesso tempo non consacrati, cioè che questi nuclei non fossero solo la reiterazione di nomi che già conosciamo. Gli artisti premiati sono poco conosciuti nell’America Latina, ma sono esponenti della loro generazione; portarli poi alla Biennale è un modo per salvarli della scomparsa dai libri di storia dell’arte e per mostrarli alle nuove generazioni”, dice Pérez-Barreiro. Per il curatore, la realizzazione di queste mostre significa anche un contributo espressivo della Fondazione Biennale nella ricerca, catalogazione e recupero di queste collezioni.
Aníbal López, noto anche come A-1 53167, il suo numero di carta d’identità, è stato uno dei precursori della performance nel suo paese. Il suo lavoro, che include video, performance, live act e interventi urbani, tra le altre forme di espressione, ha un forte carattere politico e si rivolge a questioni di controversie tra confini nazionali, culture indigene, abusi militari e persino il mercato dell’arte. Le riprese video e le fotografie di azioni effimere, eseguite come forma di protesta per l’oggettivazione e la feticizzazione dell’arte, costituiscono la mostra.
L’universo queer si avvicina delicatamente da Feliciano Centurión, che ha lasciato il suo paese natale, il Paraguay, a stabilirsi in Argentina, dove divenne esponente dei cosiddetti (primi artisti Generation “Rojas” di esporre nella galleria del Centro Culturale Rettore Ricardo Rojas , dell’Università di Buenos Aires) fino a essere vittima di complicazioni derivanti dall’AIDS a 34 anni. Centurión ha lavorato principalmente con tessuti e ricami, incorporando capi come sciarpe e uncinetti acquistati nei mercati locali. Discendente di una famiglia di ricamatori, si appropria pratiche artigianali come linguaggio artistico per esprimere elementi della sua storia personale da una tradizione comune di famiglia nella cultura del Paraguay.
Ancora poco conosciuta in Brasile, Lucia Nogueira è una figura essenziale per comprendere l’arte britannica del periodo e ha sviluppato una carriera riconosciuta a livello internazionale. Le sue sculture e installazioni, messa a fuoco individuale incluso la 33a Biennale, sovvertire la funzione di oggetti utilitaristici con un umorismo sottile, prodotto sia dalla insolita associazione tra gli elementi sia dal gioco semantico costantemente presente nei suoi titoli, creando un’atmosfera di stranezza e poesia.
Singoli progetti di altri nove artisti, di cui otto commissionati appositamente, completano la selezione di Pérez-Barreiro. Il gruppo, l’unico a mostrare un lavoro storico è Siron Franco (Goiás Velho, Brasile, 1950), con la serie di dipinti cesio / Strada 57. Qui, Franco perpetua la stampa orrore e l’isolamento causato dall’incidente radioattivo è accaduto nel 1987 a Bairro Popular, a Goiânia, con l’elemento Césio 137. Nato e cresciuto in quel quartiere, l’artista è tornato nella sua città natale poco dopo l’incidente, contro la popolazione locale, lasciando definitivamente l’asse Rio-São Paulo. Le sue registrazioni di catastrofi ambientali segnarono una svolta nella sua carriera, prima di un tema ironico, per l’uso di allegorie con elementi simbolici.
Gli otto artisti con progetti commissionati hanno in comune lo sviluppo di opere che non rientrano in una struttura tematica. “Si tratta di una ricerca complessa che funziona individualmente e non ha bisogno di un contesto aggiuntivo in cui lo spettatore possa relazionarsi alle opere”, spiega Pérez-Barreiro.
Il Porteno Alejandro Corujeira (Buenos Aires, Argentina, 1961) ha una concezione formale leggera e fluida, che sembra voler catturare il movimento della natura. Avrà sculture e dipinti presentati allo spettacolo. Denise Milano (San Paolo, Brasile, 1954) crea sculture e installazioni con grandi pietre e cristalli. Alla 33a Biennale, l’artista esporrà nuove opere in questi formati.
La vita quotidiana è fonte di ispirazione per le opere di Maria Laet (Rio de Janeiro, Brasile, 1982), che mostrerà un nuovo video alla 33ma Biennale, e Vania Mignone (Campinas, Brasile, 1967), che porterà nuovi dipinti. Nelson Felix (Rio de Janeiro, Brasile, 1954), che nel suo “lavoro formale sembra materializzare una coscienza planetaria”, nelle parole di Pérez-Barreiro, mostrerà una nuova installazione scultorea.
Le ricerche di Bruno Moreschi (Maringá, Brasile, 1982) e Luiza Crosman (Rio de Janeiro, Brasile, 1987) sono collegate all’attuale critica istituzionale e alla fuga dai tradizionali supporti artistici. “Con questi artisti avremo, all’interno della mostra, uno sguardo critico su come l’arte funziona, è esposta e giustificata”, dice Pérez-Barreiro. Partendo da un approccio personale e poetico, Tamar Guimarães (Viçosa, Brasile, 1967), che unisce un approccio critico alle istituzioni a preoccupazioni poetiche e narrative, presenterà un nuovo video.
33th Biennale di San Paolo del Brasile – Affinità Affettive del 7 settembre a 9 Dicembre 2018 martedì, mercoledì, venerdì, domenica e festivi: 9h – 19h (ingresso alle 18) Gio, Sab: 9h – 22h (ingresso alle 21h) Chiuso Lunedì/ingresso gratuito Pavillion Ciccillo Matarazzo, Parque Ibirapuera.