La scultura di Pauline Borghese nei panni della dea Venere si è rivelata così controversa che è stata rinchiusa in una cassa di legno per decenni. Si veda qui ArtNet.
“Ogni velo deve cadere davanti a Canova”, ha osservato timidamente Pauline Borghese di Venus Victrix , il ritratto in marmo di Antonio Canova del 1808 che la raffigura come la dea vittoriosa dell’amore. Il commento, che sembrava suggerire che avesse posato nuda per lo scultore, suscitò subito scalpore, anche se lo scandalo, per la sorella di Napoleone Bonaparte e novella sposa del principe Camillo Borghese, non era una novità.
Nel 1805, quando Canova iniziò la scultura, Borghese aveva 25 anni e nel suo secondo matrimonio, dopo che il suo primo marito, il generale Charles Leclerc, morì di malattia a Santo Domingo. Napoleone aveva inviato la coppia nell’isola caraibica con il pretesto del servizio militare, sperando di reprimere le voci sulle varie indiscrezioni romantiche di sua sorella in Europa. Il suo matrimonio con la stimata famiglia Borghese, avvenuto solo otto mesi dopo la morte di Leclerc, sconvolse ulteriormente la società educata.
Camillo Borghese commissionò la scultura nel 1804; sebbene il nuovo matrimonio fosse già teso, Borghese fu affascinato dalla bellezza di sua moglie e volle una scultura del famoso Canova da mostrare in privato (Pauline e Camillo si sarebbero allontanati prima che la scultura fosse completata). Canova, noto per la sua personalità seria, era generalmente contrario alle commissioni di ritratti e sperava inizialmente di raffigurare Paolino nelle vesti di Diana, la dea vergine della caccia. Pauline, forse comprendendo meglio il suo personaggio pubblico, insistette invece sulla dea dell’amore. Venus Victrix (Venere Victorius) , che rimane in mostra alla Galleria Borghese a Roma, ritrae Pauline sdraiata su un divano, nuda dalla vita in su, i capelli raccolti e piena di ornamenti, e distoglie lo sguardo di lato, come se qualcuno fosse appena entrato nella stanza.
Quest’anno ricorre il 200° anniversario della morte di Canova, quindi, in occasione di San Valentino, abbiamo deciso di dare un’occhiata più da vicino al suo ritratto dell’amorosa Pauline Borghese. Ecco tre fatti affascinanti che potrebbero cambiare il modo in cui lo vedi.
Mentre Venere in riposo potrebbe non presentarsi come propaganda politica a prima vista, una lettura attenta dei dettagli della scultura suggerisce l’unione di due delle famiglie più potenti d’Europa.
Pauline tiene nella mano sinistra una piccola mela, allusione al mito del Giudizio di Paride, in cui il mortale Paride, noto per la sua correttezza, sceglie Venere come la più bella dea dell’Olimpo, assegnandole il premio di una mela. Sebbene la famiglia Borghese non sia arrivata a Roma fino al XVI secolo, la famiglia adottò il simbolo di Venere – il cui figlio Enea, secondo la leggenda, fondò la città – come parte della sua mitologia ancestrale. In questo senso, l’immagine di Venere sottolineava la lunga legittimità politica della famiglia mentre abbracciava l’alleanza di Bonaparte e animava il mito nel corpo di Paolina Borghese. La scultura è stata rafforzata da un dipinto del 1779 del Giudizio di Parigi di Domenico de Angelis, che pendeva dal soffitto sopra la statua e che si ispira direttamente ai rilievi della facciata di Villa Medici.
Per la famiglia Bonaparte, che stava espandendo il proprio dominio in tutta Europa, la mitologia Borghese rafforzava le pretese imperiali al potere. Mentre all’inizio del 19° secolo, la Venere vincitrice veniva letta nel senso di “conquistare i cuori degli uomini”, l’antico motivo originariamente aveva associazioni militaristiche come la versione romanizzata dell’Afrodite Areia dei greci. È stata spesso mostrata in armatura completa, e questa stessa è stata ereditata da Ishtar, la dea orientale della guerra. In epoca romana, i generali erano noti per invocare Venus Victrix prima della battaglia e offrire devozione al suo culto.
Canova tendeva a ritrarre i suoi soggetti come figure mitologiche (aveva raffigurato Napoleone come Marte pacificatore). Da un lato, ciò rifletteva la tendenza del XVIII secolo verso l’abbattimento dei parametri tradizionali del genere e l’elevazione della ritrattistica a uno status più elevato aggiungendo elementi di invenzione e immaginazione. D’altra parte, assumendo figure politiche sotto le spoglie di personaggi mitologici, Canova riuscì a nascondere significati politici all’interno della sua arte, garantendo un minimo di sicurezza alle sue sculture durante un’epoca politica tesa e segnata da un diffuso iconoclastia.
Ironia della sorte, tuttavia, l’unione con la famiglia Bonaparte costò alla famiglia Borghese molte delle loro opere d’arte più inestimabili, con circa 344 pezzi inviati in Francia su richiesta di Napoleone. Questi costituiscono oggi la collezione Borghese del Louvre.
Mentre qualsiasi statua di una Paolina Borghese nuda avrebbe scandalizzato il pubblico, la scultura di Canova è stata oggetto di una critica ben precisa: essere troppo realistica.
“[L] a estremo virtuosismo del trattamento del corpo della dea da parte di Canova e in particolare la sua capacità di suggerire la morbidezza e la lucentezza della pelle vivente … hanno reso la statua una celebrità”, scrive Caroline van Eck nel suo saggio “Works of Art That Rifiutarsi di comportarsi: azione, eccesso e presenza materiale a Canova e Manet.
I metodi di Canova per raggiungere tale veridicità erano ugualmente sospetti. Canova realizzò un moulage à vif , o calco del corpo di Borghese, che è conservato nella collezione del Museo Museo Antonio Canova di Possagno, in Italia. Ma questo metodo, scrive Van Eck, «era considerato un po’ disdicevole perché ritenuto segno di scarsa maestria da parte dello scultore» e portava anche «un soffio di scandalo per l’intimità che implicava tra lo scultore e il suo modello”. (Canova era stato anche criticato per il suo uso di trattamenti di finitura, tra cui cera e acqua di macinazione, che levigavano e macchiavano la superficie del marmo. Tali tecniche erano considerate da alcuni ingannevoli.)
Come scrive Van Eyck, i teorici neoclassici pensavano che tali metodi, e i loro risultati intensamente realistici, “distraessero dall’idealismo dell’arte alta, con un’enfasi sulla distanza artistica tra l’oggetto e l’essere vivente, e avrebbero eccitato gli istinti più bassi degli spettatori. ” Venus Victrix è, dice, “il culmine dell’artificialità… non del distanziamento artistico. Il marmo è fatto per suggerire un corpo vivo e che respira”.
Mentre oggi gli amanti dell’arte possono vedere Venere Vincitrice a Villa Borghese durante le ore museali, la scultura era in realtà destinata ad essere goduta la sera a lume di candela, come era di moda tra la fine del XVIII e l’inizio del XIX secolo. Inoltre, la base drappeggiata della scultura conteneva originariamente un meccanismo per ruotarla (anche le altre sculture di Canova includevano questa caratteristica). Il meccanismo era considerato un modo alla moda per gli spettatori di osservare un’opera da tutte le angolazioni senza doversi muovere.
Sebbene ora discutibili, queste due condizioni per vedere la scultura hanno avuto effetti significativi, sottolineando le qualità pittoriche della scultura, in particolare l’effetto del chiaroscuro, e avrebbero reso più pronunciati i precedenti dipinti della scultura, inclusa la Venere di Urbino di Tiziano (1538).
“Queste visioni notturne di Pauline Borghese nei panni di Venere facevano parte della moda di guardare le statue alla luce delle torce che avevano avuto origine nella Roma della fine del XVIII secolo”, scrive Van Eck, osservando che il diarista francese Joseph Joubert “osservava come, in tali condizioni di osservazione, nella luce tremolante la statua sembrava muoversi dall’oscurità verso lo spettatore. Tutto ciò ha prodotto una suggestione quasi inquietante di presenza viva”.
Alla fine, tuttavia, le risposte alla verosimiglianza della scultura diventano così intense che Pauline Borghese ha chiesto la rimozione della scultura e per decenni la scultura è rimasta in una cassa di legno su misura, sotto chiave e serratura.