Le scuole d’arte sono state lente nell’adattarsi alla rivoluzione digitale. Ora stanno finalmente recuperando.
Sei uno scultore? Un pittore? Un illustratore? Per decenni, gli studenti d’arte che hanno iniziato si sono posti queste domande. Ma queste categorie potrebbero apparire molto diverse nel prossimo futuro, poiché le scuole d’arte tentano tardivamente di integrare le nuove tecnologie nei loro curricula. Si veda qui ArtNet.
All’inizio di quest’anno, una delle scuole d’arte più prestigiose del mondo, il Royal College of Art di Londra, ha annunciato l’intenzione di ampliare il novero delle materie d’insegnamento per includere scienza e tecnologia. È stato un momento di spartiacque che ha suggerito che alcuni educatori d’arte stanno finalmente comprendendo che queste materie devono far parte dell’Accademia per sopravvivere nell’era digitale.
Ma come possono le scuole d’arte adattarsi a questo nuovo paradigma e in che modo i cambiamenti informeranno il tipo di arte che verrà realizzata in futuro?
Un divario culturale
Si è discusso molto su come l’educazione debba espandersi da STEM a STEAM, incorporando arte e pensiero creativo in aree di innovazione più equilibrate. Ma finora, il settore scientifico è stato più aperto all’accoglienza dell’arte che al contrario.
Secondo il State of Art Education Survey del 2019, il 52,2% degli insegnanti d’arte vuole saperne di più sull’insegnamento dell’arte digitale in modo efficace, ma solo il 21,9% degli insegnanti d’arte si sente a proprio agio nell’insegnare un curriculum di arte digitale. Scuole come l’MIT e la New York University, nel frattempo, hanno già incorporato l’educazione artistica nei loro piani di studio storicamente guidati dalla scienza e dalla tecnologia.
“Molte scuole d’arte sono state caute nell’adottare tutto ciò che sembra troppo professionale o applicato”, afferma Luke Dubois, professore associato di media digitali integrati presso la New York University. “Le scuole d’arte devono concentrarsi sulla formazione professionale che rientra nei valori delle arti”.
Il professor Mick Grierson, un ricercatore presso l’Istituto di Creative Computing di recente apertura presso l’Università delle Arti di Londra, attribuisce il divario all’attrito ideologico tra arte e tecnologia. Alcuni creativi tradizionali non sono solo incerti su come integrare la tecnologia nelle loro lezioni, ma sono anche titubanti nel vedere la codifica e altri alambicchi tecnologici come pratiche artistiche in sé e per sé.
“Ci sono molte persone che, per decenni, sono state nella comunità dell’arte e del design ma non sono state davvero in grado di trovare una casa per le loro creazioni e la loro pratica tecnologica”, dice. “Quindi, naturalmente, sono migrati naturalmente in un ambiente STEM perché è più facile per loro parlare dei materiali che usano e degli approcci che adottano.”
Come risultato di questo scontro culturale, l’artista ed educatore digitale Vicki Fong crede che le scuole d’arte abbiano perso un’enorme opportunità e di conseguenza l’arte sta soffrendo. “Le persone utilizzano le competenze digitali per accelerare il processo, quindi viene prodotta più arte a un ritmo molto più rapido, il che non aumenta necessariamente la qualità”, afferma. “L’arte digitale finora ha riguardato la produzione, come le cose vengono fatte. Penso che la mentalità stia cambiando ora. ”
Una cosa è chiara: molti artisti non inizieranno naturalmente a integrare la tecnologia nel loro lavoro senza che le scuole insegnino loro come. In un rapporto del 2016, ” Alla scoperta della scuola d’arte post digitale”, le educatrici di arti Charlotte Webb e Fred Deakin osservano che “l’idea di una generazione attuale di giovani nativi digitali che comprendono intrinsecamente Internet con tutta la sua cultura, grammatica e protocolli, e chi può creare facilmente contenuti e progetti digitali innovativi in modi che i loro insegnanti non potrebbero mai capire, è ora riconosciuto come un mito paranoico”.
Ci sono scuole che fanno bene l’educazione alle arti digitali, come il curriculum di Design Media Arts della UCLA , che utilizza processi artistici basati sulla tecnologia senza impegnarsi troppo nella commercializzazione. Come osserva Julia Kaganskiy, stratega culturale, le scuole che eccellono in questo settore integrano sia il pensiero tecnologico che la pratica. Il campo non può semplicemente essere visto come un componente aggiuntivo, è fondamentale per qualsiasi artista che vuole essere in grado di rispondere allo stato del mondo.