Riflessione fisica
Riflessioni sulla rappresentazione del corpo di Catherine Terblanche (vedi Artafrica)
In un’epoca di tecnologia digitale, gli smartphone stanno catturando milioni di selfie ogni giorno. I post sui social media contengono innumerevoli immagini di corpi umani e volti, tutti “taggati” ed etichettati per i seguaci dell’individuo per trovarli nella palude del cyberspazio. Non solo le immagini vengono prodotte a un ritmo astronomico, una volta che sono disponibili nel cyberspazio, sono liberamente copiate, decontestualizzate e ridistribuite nonostante le avvertenze e le restrizioni sul copyright. Non si può fare a meno di chiedere perché gli artisti stanno ancora cercando di catturare la forma umana in media più tradizionali come la pittura, il collage e persino i media scultorei, se la facilità con cui sono prodotte le immagini digitali domina e informa la nostra cultura visiva. Allo stesso tempo, l’emergere di studi culturali, di genere e postcoloniali ha evidenziato la necessità di riconoscere l’ampia diversità di culture, credenze e abitudini diverse, mentre contemporaneamente mette in discussione il modo di rappresentazione del corpo, che è stato tradizionalmente quello di un approccio prevenuto e prevalentemente occidentale.
Il nostro fascino nel catturare la forma umana risale alla nostra registrazione delle prime opere d’arte, che risalgono ai feticci della fertilità preistorica. Ma è proprio nel Rinascimento che la raffigurazione del corpo assume una qualità sovrumana che da allora ha dato il tono all’arte occidentale. Il perfetto ‘uomo universale’ è esemplificato dall’uomo vitruviano di Leonardo da Vinci , un perfetto esemplare umano, che si inserisce in uno spazio geometrico perfetto, esistente in perfetta armonia con Dio e la natura. Il corpo era spesso idealizzato e generalizzato. Non solo l’artista del Rinascimento doveva possedere un’ottima conoscenza dell’anatomia umana, ma l’artista doveva anche essere abile nel manipolare il corpo e la prospettiva per adattarsi agli angoli di visione di ogni opera creata una volta, spesso collocata su soffitti o nicchie elevate in basiliche o edifici pubblici. Arte, matematica e prospettiva erano all’ordine del giorno. Come documenta il Vasari, il pittore fiorentino Paolo Ucello (1396 / 7-1475) era così ossessionato dalla prospettiva che si diceva che fosse rimasto sveglio quasi tutte le sere a lavorare sui punti di fuga per i suoi dipinti, con grande sgomento della moglie che lo aspettava a letto. L’uomo ‘perfetto’ nel suo ambiente ‘perfetto’ era l’ideale per cui lottare.
Con l’invenzione della fotografia, le rappresentazioni visive hanno subito un cambiamento fondamentale che ha liberato l’artista dal dover catturare questa “realtà” perfetta, ed è stata indubbiamente l’influenza più radicale sulla rappresentazione del corpo nell’arte contemporanea. Un problema specifico di pertinenza è la capacità della fotografia di inquadrare e frammentare il corpo. Molti teorici come Nicolas Mirzoeff e Linda Nochlin ritengono che la tendenza a rappresentare il corpo come frammentato sia un sintomo postmoderno, che riflette la natura caotica, disgiunta e schizofrenica della vita contemporanea. Le parti del corpo sono poste, contorte ed esposte. I corpi vengono tagliati, tagliati in sezioni e presentati come “oggetti” carnosi che spesso negano l’individuo come persona. A questo riguardo, le opere fotografiche di Tamara James sono esempi adatti. Ad esempio, l’opera Clench presenta allo spettatore un paio di piedi, staccati dal suo corpo e decontestualizzati. Tutto ciò contribuisce all’ambiguità visiva e pone la domanda se questi piedi senza sesso stanno vivendo dolore o piacere.Questo approccio frammentario può essere visto anche nelle opere di John Vusi Mfupi, il cui processo artistico dipende dalla ricostruzione del corpo utilizzando frammenti, ritagli di carta stampata per formare immagini collages della vita quotidiana. L’atto stesso di costruire un ritratto dai pezzi strappati dei media fisici che promuove i prodotti che consumiamo ogni giorno, è un commento piuttosto ironico sulla società contemporanea. Sebbene le sue narrazioni siano spesso chiare, negano la vera identità delle persone che ritrae, riducendole ai prodotti dei prodotti che consumano (o non consumano). Nonostante ciò, Mfupi riesce ancora a catturare qualcosa di una personalità, un’istantanea di una narrativa personale, mentre inavvertitamente riconosce qualcosa dell’ossessione della società di pubblicare immagini digitali di esperienze quotidiane ‘insignificanti’ sui social media.
La pubblicità, d’altra parte, solleva anche questioni riguardanti la rappresentazione del corpo idealizzato. Molte critiche sono state rivolte contro l’industria pubblicitaria per la loro parte nella rappresentazione di rappresentazioni altamente irrealistiche del corpo. Le figure femminili sono manipolate digitalmente in una forma organica non realistica, il più magro e meglio è. Le anomalie sono spesso rilevate solo dallo spettatore critico che si è soffermato a pensare se sia umanamente possibile che un modello abbia un girovita di un paio di centimetri. La maggior parte degli spettatori accetta automaticamente le immagini manipolate digitalmente come la “verità”. L’uso della vernice come mezzo, invece della fotografia, potrebbe ulteriormente commentare la rappresentazione del corpo in questo contesto. Lo spettatore riconosce istintivamente che la pittura non riflette la “realtà” allo stesso modo della fotografia, e quindi si accetta molto più spesso le incongruenze nella rappresentazione visiva del corpo, infatti, gli spettatori si aspettano che siano presenti. Le opere di John-Michael Metelerkamp, come l’opera del 2014 intitolata Diamond, potrebbe essere visto come un commento ironico sui limiti fisici del corpo. In un certo senso, queste opere echeggiano anche l’approccio delle aziende pubblicitarie a rappresentare il corpo femminile come un oggetto altamente sessualizzato, con poca o nessuna considerazione per le proprietà fisiche del corpo umano. I dipinti di Metelerkamp diventano commenti sulle assurdità associate alle rappresentazioni contemporanee del corpo in modo piuttosto rivelatore.
Ovviamente, la questione della rappresentazione del corpo è complessa e molto dibattuta. Gli esempi citati sollevano ulteriori domande sull’uso dei media “tradizionali” sui media digitali. Tuttavia, potrebbe essere (l’orrore degli orrori), che le idee moderniste riguardo al ruolo del mezzo artistico e della pratica informino ancora il modo in cui ci avviciniamo all’arte, nonostante tutti i tentativi di comprendere l’arte all’interno di sfere alternative come la definizione istituzionale dell’arte . In questa luce, potremmo considerare l’uso di mezzi artistici tradizionali come un tentativo da parte degli artisti di provare ancora una volta a stabilire una qualche rilevanza nel mondo (e il mondo dell’arte per quella materia), e in particolare in un mondo invaso da milioni di immagini istantanee, un mondo in cui il significato della rappresentazione del corpo è stato sondato su più livelli.
Tamara James, John Vusi Mpufi e John-Michael Metelerkamp sono rappresentati dalla galleria Candice Berman a Bryanston.
Catherine Terblanche è una storica dell’arte indipendente, docente e curatrice.
FONTI CONSULTATE
Mirzoeff, N. 1995. Bodyscape: arte, modernità e figura ideale.
Londra: Routledge.
Nochlin, L. 2001. Il corpo in pezzi: il frammento come metafora della modernità. Londra: Thames e Hudson.
Vasari, G. 1965. Le vite degli artisti: Volume 1. Traduzione di George Bull. Londra: Penguin.