Cercando di esplorare più a fondo le pratiche artistiche di artisti emergenti e affermati che lavorano sia a livello locale che all’estero, l’Investec Cape Town Art Fair ha introdotto “SOLO” – una selezione di presentazioni soliste, con questa edizione a cura di Nontobeko Ntombela.
Nella sua prima versione, “SOLO” è dedicato esclusivamente alle donne artiste, offrendo al tempo stesso prospettive diverse sulle grandi problematiche socio-politiche che le donne affrontano e mettendo in evidenza il loro significativo contributo al mondo dell’arte.
ART AFRICA ha parlato con questi artisti per saperne di più sulla loro pratica artistica e le narrative concettuali alla base del loro lavoro.
Keyezua
Keyezua, Fortia # 11 , 2017. Maschere disegnate e realizzate a mano da artisti e sei uomini con disabilità fisiche. Per gentile concessione dell’artista e della Galleria MOV’ART.
Il lavoro di Keyezua si concentra sulla rottura dell’immagine stigmatizzata dell’Africa, dove la creazione di storie individuali – film, fotografie, dipinti, poesie e sculture – esplorano la rinascita di un continente.
Il tuo lavoro si occupa degli stereotipi associati all’Africa e dell’immagine globale del pregiudizio che ha ricevuto dalla storia e dai media. Come si fa a concettualizzare una ‘nuova’ immagine dell’Africa, e diresti che un approccio multidisciplinare alla creazione artistica è il modo migliore per comunicarlo?
Ho deciso di concentrarmi sulle cose che mi fanno sentire a disagio come una donna di colore, e come un ‘africano’. Stare tranquillo sugli stereotipi che sono un attacco alla mia esistenza, mi fa sentire un contributore in Africa come il “Continente senza speranza”. Nel corso degli anni, come artista ho scoperto che ogni emozione richiede l’autenticità e la decisione senza paura di provare tecniche diverse e diventare un artista multidisciplinare. Attualmente vivo e lavoro a Luanda, in Angola, dove i movimenti del mio corpo, i suoni, le forme, la natura, i colori, la pelle e la storia del paese non mi permettono di non volermi sfidare – di vedere cosa succede quando esploriamo sconosciuti e mezzi inesplorati. Non mi piace sentirmi troppo a mio agio nelle mie scelte di mezzi e materiali artistici. La mia arte ha comunicato attraverso diverse forme, medium ed emozioni che richiedono la libertà di usare qualsiasi approccio. Alcuni risultati potrebbero essere fraintesi, ma è così che vedo l’arte. È lì per fare rumore e molto buon rumore! Non esiste un approccio migliore per parlare di un continente che ha molto da offrire: la storia dell’Africa richiede a ogni creativo la necessità di utilizzare qualsiasi mezzo per parlare sinceramente dell’Africa e del resto del mondo.
Kimathi Mafafo
Kimathi Mafafo, Solitude I , 2017. Pannello ricamato, 55 x 40 cm. Per gentile concessione dell’artista & EBONY.
Lavorando principalmente con pittura ad olio su tela, Kimathi ha recentemente introdotto il ricamo nel suo spettro e continua a creare ambienti verdi lussureggianti con intensità e attenzione ai dettagli.
Il tuo stile ricorda le opere del 17 ° secolo raffiguranti donne rilassanti nella natura rigogliosa. A differenza dei classici, la forma femminile nera è evidenziata. Cosa ti influenza nel creare queste scene di evasione che sono contemporaneamente rappresentative dell’arte africana e dell’arte classica europea?
Ciò che mi influenza sono le storie che sento di donne a cui non viene data voce o ruoli di leadership nella comunità più ampia. Ho scelto la donna nera come simbolo di tutte le donne che rimangono nell’oscurità. Queste scene di evasione sono una rappresentazione di un uomo moderno che definisce ancora ciò che è una donna, nella più ampia accezione imposta dalle tradizioni. Sono stata benedetta con l’essere nata in una famiglia di artisti – ora posso usare i miei dipinti e ricami come voce per esprimermi. Ho anche scoperto che mentre creavo queste scene di evasione, ho trovato il conforto e uno spazio per sfuggire alle mie attività quotidiane. L’arte classica europea nei miei dipinti è anche un’influenza dai ricordi della mia infanzia di visitare il William Humphreys Museum di Kimberly.
Ingrid Bolton
Ingrid Bolton, Layered landscape I , 2017. Vari cavi metallici, scatola metallica, 15x15x variabile cm. Per gentile concessione dell’artista e di Berman Contemporary.
Trovando ispirazione nella decostruzione dei cavi in rame, Ingrid cerca la connessione e la riconnessione nel suo lavoro, e crea un oggetto completamente nuovo – trasformando gli scarti in arte.
Tu lavori principalmente con cavi scartati – nella tua arte, il rame si pone come metafora dei sistemi di connettività. In che modo questo processo di decostruzione informa i tuoi temi artistici?
Il processo di decostruzione inizia con la separazione dei cavi gli uni dagli altri nei cantieri di metallo spazzatura. Trovare il cavo giusto per lavorare con quella volontà, una volta riassemblato, diventa qualcosa di completamente diverso. Ogni cavo è costituito da molti singoli fili di cavo allo scopo di stabilire una connessione. È nella riconnessione o nella ricostruzione che la mia arte si esprime. Queste connessioni sono a volte casuali e spesso deliberate. Si collegano tra loro una volta di più diventando un tutt’uno – ma con differenze rispetto aslla loro forma originale. Il mio interesse non si trova solo nell’analisi individuale dei dettagli, ma anche nel mostrare come nella vita, tutto è connesso. Così come quando considero la parte interna dei cavi emerge una immagine molto diversa da quella sduperficiale, ecco che nella vita, cerco di guardare oltre la superficie e trovare la caratteristica particolare di ciò con cui lavoro. La combinazione di queste nuove superfici, collegate tra loro, viene trasformata da spazzatura in un’opera d’arte.
Buhlebezwe Siwani
Buhlebezwe Siwani, IVUMBA , 2016. Inkjet su Epson Hot Press Natural. 100 x 100 cm. Edizione di 4 + 1 AP. Per gentile concessione dell’artista e WHATIFTHEOWORLD Cape Town / Johannesburg.
Lavorando in performance, fotografia, scultura e installazione, Buhlebezwe concentra il suo lavoro nello smantellare l’inquadramento patriarcale del corpo femminile nero e nell’esperienza femminile nera, all’interno del contesto sudafricano.
Lavorando prevalentemente nell’ambito delle prestazioni e dell’installazione, usi spesso video e immagini come sostituti del tuo corpo – che è fisicamente assente da questi spazi specifici. Qual è il significato di entrambe le presentazioni di te stesso e del tuo corpo – il presente fisicamente, e in alternativa la ripresentazione? Inoltre, come presenterai il tuo lavoro per “SOLO” e perché?
Il corpo non è mai completamente assente, il soggetto si diffonde sempre o vive in altri regni, questo è lo scopo di alcuni dei miei lavori. Secondo la tua domanda, sono fisicamente presente e quindi rappresento il mio corpo, per me, uno in me stessa. Il corpo occupa altri spazi che non sono apparentemente tangibili come fanno gli antenati. In questo modo, sono in grado di parlare della presenza che è effettivamente assente nello spazio, perché mentre io non ci sono, lo sono ancora. Per “SOLO”, presenterò alcuni lavori nuovi e alcuni lavori “vecchi”, non credo che nessun lavoro possa essere specifico del sito, anche una mostra collettiva curata è specifica del sito. Si può essere in grado di prendere vecchi pezzi di lavoro e metterli in uno spazio diverso, non si deve pensare a come lo spazio parla al lavoro? Il lavoro inizia con la specificità del sito, che sia vecchio o nuovo, lo spazio deve sempre essere considerato, quindi tutto il lavoro è essenzialmente specifico del sito.
Renee Cox
Renee Cox, Eve , 330,2 × 259,1 cm. Per gentile concessione dell’artista e della Galleria Amar.
Una delle artiste più controverse che lavorano oggi, Renee Cox è una fotografa afro-americana che usa il suo corpo – sia nudo che vestito – per celebrare la femminilità nera e criticare una società che considera spesso sia razzista che sessista.
Sei stata nominata iconoclasta e probabilmente la più influente fotografa nera che lavora oggi, nota per le tue immagini senza paura e iconiche. Partecipando al SOLO alla fiera d’arte di Investec Cape Town, quali sono i tuoi pensieri riguardo al lavoro che sta emergendo dall’Africa oggi, e dove pensi che le fiere – come l’ICTAF – stiano nello schema globale delle cose?
La Cape Town Art Fair sembra decisamente una buona idea per riunire artisti, produttori e collezionisti sotto lo stesso tetto in uno sforzo concentrato per vedere cosa sta succedendo nel continente e all’estero. Questa può essere solo una buona esposizione all’esposizione. È responsabilità dell’artista e del rivenditore assicurarsi che l’opera d’arte sia mostrata in una sede in cui la sua formazione ispira un nuovo gruppo di giovani artisti e può anche creare opportunità di business (es. ) affinché l’artista possa prosperare.